Bebop y perspectivas

Hoy en día no es difícil comprender la obra de Parker y Gillespie como una evolución lógica del jazz, pero en su propia época no fue tan sencillo que críticos y público aceptaran las innovaciones que se produjeron. El bebop también fue acusado de no ser jazz, y en general se relacionó más con lo marginal y con los sectores más bohemios, como la generación Beat.

Pero, ¿qué hacía de esta música que no fuese aceptada por muchos de los amantes del swing? Para empezar, el ritmo invariable del swing, el “swing” propiamente dicho, se verá aquí muy acelerado y fusionado con ritmos provenientes del mundo latino y africano. La sección ritmica va adquiriendo mayor independencia. Aquí, sin embargo, escuchamos un ritmo de swing más o menos convencional en la batería, con el contrabajo realizando lo que se llama “bajo caminante”, que aporta un mayor melodismo con ese continuo de notas.

Sin embargo, lo que me parece que más distanció el bebop de sus oyentes contemporáneos fueron los atrevimientos armónicos. Las melodías se mueven con libertad por escalas ampliadas, con numerosas notas cromáticas o extrañas a los acordes. Si a esto le sumamos unos frenéticos solos en que desarrollan las posibilidades del instrumento hasta el límite, podemos entender que no fuesen comprendidos. Como ilustración, podéis escuchar el cruce entre el final del solo de Parker y el comienzo del de Gillespie: parece que estén tocando en dos tonalidades completamente diferentes.

Las Big Bands

A pesar de que la intersección de los años cuarenta señala la época de esplendor de los combos de estilo bebop, en el terreno de las big bands comenzaron a hacerse visibles dos tendencias de importancia:

·Por un lado, algunas big bands empezaron a modificar su estilo con el fin de permitir mayor libertad de improvisación a sus solistas y de incorporar elementos del bebop en su estilo. La principal orquesta en ejemplificar este cambio fue la de Woody Hernan, que trasnformo el sonido del grupo hasta dotarlo de mayor agresividad armónica, especialmente en las baladas, a la vez que en los tiempos rápidos se acercaba al sonido característico de los combos del bebop. En cierto sentido, los magníficos solos que se oían en estas bandas apuntaban a una nueva escuela jazzística, el cool jazz, que pronto se independizaría del bebop.

·Por otra parte, en la costa oeste norteamericana, varios músicos labraban una nueva orientación para las big bands, el progressive jazz, ejemplificado por nombres como Boyd Raeburn, Earl spencer y Stan Kenton. De los tres, este último sería el más exitoso a la hora de desarrollar el nuevo lenguaje. y convertir una sucesión de músicos jóvenes en adeptos a su concepción de lo que debía ser una big band. Kenton pensaba en su banda como en una agrupación de concierto: en 1946 registro el "Concerto to End All Concertos", composición de nombre poco modesto que explotaría el talento del saxofonista tenor Vido Musso y que ni se acercó a lo que su título evocaba. Siguieron interpretando temas populares como "April in Paris" o "Sophisticated Lady", pero los temas de cariz mas abstracto se fueron sucediendo con regularidad cada vez mayor. En 1947 Kenton grabó "Chorale for brass, piano and bongo" (título que aludia a la Música para cuerda, percusion y celesta firmada por Bartók en 1936), "Fugue for Rhythm Section" y "Abstraction". El concepto de Jazzman como artista, característico del bebop, había influido claramente en Kenton y, si bien el bebop, el jazz progresivo y el swing en cierto sentido constituían polos opuestos de la profesión, Woody Herman, Stan Kenton y Charlie Parker tenían muchos rasgos en común. Kenton fué elegido por una abrumadora diferencia de votos para el "Music Hall of Fame" de la revista Down Beat, honor que hasta la fecha solo habían alcanzado Louis Armstrong y Glenn Miller.

http://www.youtube.com/watch?v=E95xYkv_CdM

El bebop resulto ser un estilo demasiado complicado a nivel técnico como para llevarlo a las big bands de forma práctica, además de que en los pequeños clubes en los que se solía oir jazz no resultaba económico, y con frecuencia el público solo quería una música bailable. De forma gradual, el campo de acción de las big bands se fue reduciendo hasta su desaparición sistemática durante el transcurso de los años sesenta.

Orígenes del bebop

A finales de la II Guerra Mundial, se empezo a oir a una serie de interpretes dando vida a un nuevo estilo jazzístico que entonaba en su espíritu el estancamiento de un swing predecesor que no dejaba suficiente espacio a la improvisación solística, a la vez que carecía de interés armónico y hacia gala de unos ritmos ya estereotipados. Este estilo se pasaría a conocer poco despues como "bebop", siendo registrado por primera vez en 1945 por el Dizzy Gillespie sextet en Nueva York.

El termino "bebop" viene del "scat singing", una costumbre jazzistica que consiste en cantar lineas melódicas instrumentales utilizando sílabas aleatoriamente. En el bebop son frecuentes los fraseos con un final abrupto (nota larga-nota corta-silencio), ritmo que muchas veces era vocalizado como "rebop" o "bebop".

http://www.youtube.com/watch?v=YFcoC1FJOhA

Características del BeBop

Hacia 1945 el bebop ya habia establecido su propia personalidad en contraposición al swing. Si comparásemos ambos estilos, percibiríamos fácilmente unos fraseos mas regulares y simétricos en el swing, así como unos patrones rítmicos más estables. En el bebop, además de encontrar una mayor complejidad técnica y fuertes contrastes, sin escatimar en sutileza, daremos con una insistente y expresiva recurrencia a la disonancia.

Los atributos típicos del bebop se ven reflejados fielmente en la grabación que Dizzie Gillespie produjo de Shaw'Nuff: una introducción a un ritmo exótico, un chorus inicial muy rápido en el que los instrumentos melódicos ejecutan una linea melódica al unísono, unos chorus solistas afines a la nueva asimetría y complejidad rítmica, un patrón armónico menos uniforme y un riff unísono que cierra la pieza.

http://www.youtube.com/watch?v=gE5mixm7jr8

La historia del jazz moderno, tal y como fué puesta en marcha a mediados de los 40 con este estílo, puede estudiarse desde la trayectoria de diversos genuinos; Dizzie Gillespie, Thelonious Monk, Miles Davis, John Coltrane... Con todo, si se puede considerar a alguien como "padre" del jazz moderno, ese seria "Bird" Charlie Parker, pues desde que hizo su entrada, uno no podia simplemente confesarse aficionado al jazz, sino que tenía que aclarar si se refería al jazz precursor, o al jazz de "Bird".

"Bird": Charlie Parker

Charles Christopher Parker Jr. es, además de la figura introductora y más influyente del bebop, el que es considerado el mejor saxofón alto de la historia del jazz y toda una leyenda. Nació en Kansas el año 1920 y murió a la edad de 34 años en 1955. Algunos de sus temas, como "Anthropology", "Now's the time" o "Parker's mood" son hitos atemporales del jazz.

http://www.youtube.com/watch?v=3fY41-lEEYs&feature=related

"Bird" se introdujo en el mundo de la música en tierna edad, aunque empezó tocando una tuba y no cambio de instrumento sino por la insistencia de su madre, que se gastó sus menesterosos ahorros en el que sería el primer saxofón alto de Parker. Aprendió a tocarlo de forma autodidacta, escuchando a los saxofonistas de su época, y abandonó con 14 años los estudios para centrarse en la música. Tras mucho esfuerzo y sesiones de jamming frustrantes, a los 16 años ya se había hecho un nombre como primera figura del jazz al poco tiempo de haber ingresado en la orquesta del influyente Jay McShann. Fue hacia esa época en la que "Bird" contrajo muy tempranamente matrimonio, y también cuando empezó a introducirse en el mundo de las drogas, de las cuales la heroína en particular le supuso una adicción que le amargaría su escueta vida y lastraría su carrera.

Parker apeó en Nueva York por primera vez en 1939. Allí trabajó de lavaplatos en un pub en el que solía tocar Art Tatum, un pianista de jazz de envergadura. Entró en contacto con Dizzie Gillespie en 1940, y desde finales de 1944 empezaron a trabajar juntos en su nuevo estilo. Cuando llegaron a Los Angeles no tuvieron ni mucho menos una buena acogida por los músicos veteranos de la zona, y aún con todo "Bird" decidió quedarse, y grabó su album "Jazz at the Philarmonic". Poco después, a causa de mezclar drogas y alcohol,  tuvo que permanecer 6 meses en un hospital como consecuencia de un ataque cerebral. Tras rehabilitarse realizó, junto a un quinteto que incluía a Miles Davis, algunas de las mejores interpretaciones de su carrera.

En 1951 sus problemas con las drogas se intensificaron, y protagonizó varios intentos de suicidio debidos a la muerte por neumonía de una hija que no pudo ser tratada adecuadamente por no poder costear su tratamiento. Murió, finalmente, en 1955 a causa de un colapso cardiocirculatorio.

"Dizzy": Gillespie

Amigo y asociado musical de Parker, John Birks Gillespie nació en Cheraw, Carolina del sur, y murió en 1993 en Englewood, Nueva Jersey.

Tras estudiar armonía y teoría musical y aprender a tocar varios instrumentos, Gillespie se inició trabajando junto a Frank Fairfax en Filadelfia en 1935. En sus primeros años como instrumentista trabajó con las grandes bandas de Cab Calloway y Earl Fatha Hines, mientras que en 1945 colaboró con el saxofonista Charlie Parker, con quien grabó algunas de los más revolucionarios temas de la historia del jazz. Se conocieron en Kansas City, en una habitación de hotel, y para aquel entonces Gillespie era el músico más experimentado de los dos, tenía unos años más, ya era conocido y estaba dotado de mayor técnica, tanto en capacidad armónica como en inspiración interpretativa. Con todo, Parker no tardaría en ponerse a su altura. El destino se mostró particularmente sabio al emparejar a ambos personajes, pues Gillespie era entonces quizá el único trompetista del mundo dotado de semejante comprensión de la teoría armónica y de un tal virtuosismo sin precedentes en su instrumento, con recursos casi ilimitados como los que luciría en la famosa pieza "Groovin 'high", que serían imitados por gran cantidad de boppers, llegando a un nivel de improvisación tal que dejaría atras la pieza inicial por una nueva pieza jazzistica encuadrada en el estilo de vanguardia.

http://www.youtube.com/watch?v=oslMFOeFoLI

Las carreras de Parker y Dizzy, siguieron caminos separados: mientras el primero era inigualable en pequeñas formaciones, Gillespie ofrecía lo mejor de sí frente a grandes formaciones. Mientras Parker sufrió la marginación, Gillespie se convirtió en una de las figuras más conocidas del jazz. Su fama se acrecentó con su fuerte personalidad y sus espectáculos personales entre los que se destaca su habilidad para el scat, los instrumentos de percusión centro americanos y sus apariciones públicas entre las que se destaca su postulación a la presidencia de los Estados Unidos en 1964.

Tad Dameron

Tadley Ewing Peake Dameron fue llamado "el romántico del bebop". Era compositor, interprete y uno de los tres pianistas más destacados del bebop.

Nacido en Cleveland, Ohio, en 1917, Dameron fué uno de los compositores mas influyentes del bebop, aunque también compuso swing y hard bop. Entre las bandas para las que tocó resuenan nombres como Count Basie, Artie Shaw, Jimmie Lunceford, Dizzy Gillespie, Billy Eckstine, y Sarah Vaughan. El y el letrista Carl Sigman escribieron "If You Could See Me Now" para Sarah Vaughan, la que se convirtió en una de las primeras canciones bajo su firma.

http://www.youtube.com/watch?v=ySI5ZPhf5Lw

Tad también compuso e interpretó para el músico de rhythm and blues Bull Moose Jackson. Dameron compuso varios estándares del bebop, incluyendo "Hot House", "Our Delight", "Good Bait", and "Lady Bird" y en sus bandas actuaron artistas de la talla de Fats Navarro, Miles Davis, Dexter Gordon, Sonny Rollins, y Wardell Gray.

Hacia el final de su carrera, Dameron desarrollo adicción a ciertos narcoticos, y estuvo internado durante 2 años en una prisión federal en Lexington. Sufrió varios ataques al corazón y murió de cancer en 1965 a los 48 años de edad.